61-я Венецианская биеннале: 7 проектов, которые стоит увидеть своими глазами

Отгремели страсти первых дней Биеннале, рассосалась толпа (в первые дни выставку посетило почти 40 тысяч человек!), жизнь в городе вновь вошла в свое привычное русло. Так что самое время отправиться в Венецию, чтобы все посмотреть в спокойной обстановке и без ажиотажа. Вот несколько самых интересных проектов, которые непременно стоит увидеть своими глазами.

Выставка The Only True Protest Is Beauty в Fondazione Dries Van Noten

В этом году в Венеции открылось новое культурное пространство Fondazione Dries Van Noten — фонд, основанный Дрисом Ван Нотеном и Патриком Вангелуве, который разместился в Палаццо Пизани-Моретта XV века. Это не очередной музей «имени себя», а культурно-просветительская институция, посвященная диалогу между модой, искусством и ремеслом.

Первый проект фонда — выставка The Only True Protest Is Beauty, название которой отсылает к стихотворению американского музыканта и активиста Фила Оукса: «В такие уродливые времена единственный настоящий протест — это красота». И это не просто эффектный лозунг для роскошного палаццо на Гранд-канале, но попытка вернуть красоте статус интеллектуального и эмоционального высказывания, силы, способной изменить мир.

Выставка занимает три этажа, где более 200 работ вступают в диалог не только друг с другом, но и с исторической архитектурой и декором палаццо (включая фрески Якопо Гуараны, Джанбаттисто Тьеполо и Пьетро Лонги). Центральная тема проекта — широкое размышление о важности ремесла не только как медиума, в котором переплетаются традиции и инновации, но и как результата глубоко человеческого процесса, который несет в себе, по словам самого Дриса Ван Нотена, «культуру и память рук».

Под этот концепт попадают самые разные сферы искусства — от моды, представленной экспонатами от крупнейших мировых Домов моды вроде Christian Lacroix или Comme des Garçons и молодых талантов, до дизайна, фотографии, живописи, скульптур Петера Бюггенхаута, тончайших стеклянных цветов Лиллы Табассо или керамики Каори Курихары.

Выставка Helter Skelter в Fondazione Prada

В Fondazione Prada проходит масштабная выставка американских художников-концептуалистов Артура Джафа (Arthur Jafa) и Ричарда Принса (Richard Prince), представителей так называемого «искусства апроприации». Экспозиция развернулась на двух этажах старинного венецианского палаццо и включает более 50 масштабных работ: фотографии, видеоинсталляции, живопись, скульптуры. Вместо классической музейной хронологии зрителя ждет «нервный коллаж американского коллективного бессознательного» — тщательное художественное препарирование современного американского менталитета.

Название проекта Helter Skelter как нельзя лучше отражает эту концепцию — «кавардак», «мешанину», в которой слились в единый визуальный ряд Ковбой Marlboro, рок-музыка, протест, супергерои, телешоу, американская мечта, свободная любовь, культ насилия, Black Lives Matter и другие знаковые для американцев концепты. Недаром западные критики сразу же окрестили эту выставку «настоящим павильоном США» на этой биеннале, который раскрывает Америку через ее визуальные коды: рекламу, массовую культуру, расизм, секс, рок-н-ролл, религию, культ звезд и т. д.

Выставка Аниша Капура в Палаццо Манфрин

Выставка Аниша Капура (Anish Kapoor) — одно из самых ярких высказываний этой биеннале. Она разместилась в палаццо XVIII века, которое художник выкупил и превратил в свой фонд. Классическая венецианская архитектура вступает здесь в необычный диалог с инсталляциями и арт-объектами — огромной купольной полусферой диаметром 8 метров, подвешенной к потолку, или бездонной круглой дырой прямо в полу.

Здесь можно увидеть как культовые, так и совершенно новые работы мастера — объекты, покрытые космическим наноматериалом Vantablack, который полностью поглощает свет, или гигантские зеркала из полированной нержавеющей стали, которые причудливо ломают, сжимают и растягивают интерьеры палаццо и самих зрителей. А модели нереализованных архитектурных проектов выглядят уже не столько как скульптура, сколько как документация его утопических идей. Тема пустоты всегда интересовала художника и здесь она становится практически главным материалом выставки.

Выставка Ли Уфана в San Marco Art Centre

Ли Уфан (Lee Ufan) — одна из ключевых фигур послевоенного азиатского искусства, представитель «Школы вещей» (Mono-ha), авангардного движения, возникшего в Японии в конце 1960-х гг. Его работы построены на философии минимализма, баланса, пустоты и взаимодействия материалов с пространством. В рамках 61-й Венецианской биеннале проходит персональная выставка, приуроченная к 90-летию мастера. Экспозиция занимает 8 залов арт-центра SMAC (San Marco Art Centre), который находится в историческом здании Прокураций прямо на площади Сан-Марко, и охватывает более семи десятилетий творчества художника — живопись, скульптуру, инсталляции, а также совершенно новые site-specific объекты, созданные специально для этого проекта.

Здесь можно увидеть ранние революционные работы 1970-х From Point («Из точки») и From Line («Из линии»), исследующие зарождение живописного жеста, динамичные циклы From Winds («Из ветров») и With Winds («С ветрами»), «живые композиции из пустого пространства», как называет их сам художник, медитативную серию Correspondence («Соответствие»), лаконичные полотна Dialogue («Диалог»), монументальные инсталляции и скульптуры. Это идеальное место, чтобы «замедлиться» и задуматься о вечном. Здесь нет перегруженных, «кричащих» инсталляций, избыточной декоративности, политических лозунгов или визуального шума — лишь чистота линий и форм, которые на деле могу стать не менее громким посланием, чем перформанс или акционизм.

Выставка Transforming Energy Марины Абрамович в Галерее Академии

Впервые в своей истории Галерея Академии (Gallerie dell'Accademia) принимает выставку, посвященную не старым мастерам, а ныне живущей художнице — Марине Абрамович. Она приурочена к ее 80-летию и разворачивается как в залах для временных экспозиций, так и непосредственно среди постоянной коллекции музея на втором этаже. Таким образом куратор Шай Байтел и сама Марина выстраивают диалог между прошлым и настоящим, историей и современностью.

Особого внимания заслуживает серия интерактивных «Временных объектов» (Transitory Objects), предназначенных для прямого взаимодействия с публикой. Их идея родилась во время легендарного похода Абрамович к Великой Китайской стене в 1988 году, во время которого она открыла для себя благотворную силу кристаллов.

В залах постоянной экспозиции фокус смещается на скульптурные объекты, такие как «Обувь для отбытия» (Shoes for departure) или «Пьета» (Pietà) — работу, созданную в 1983 году совместно с Улаем, художником и бывшим спутником жизни Абрамович. В данном контексте эта работа вступает в прямую связь с другой «Пьетой» — шедевром Тициана, одним из главных сокровищ музея, созданным ровно 450 лет назад..

Выставки Лорны Симпсон и Паоло Назарета в Пунта-делла-Догана

Пунта-делла-Догана — центр современного искусства в здании бывшей морской таможни. В рамках Венецианской биеннале здесь параллельно проходят сразу две крупных выставки работ из коллекции Франсуа Пино — американской художницы Лорны Симпсон (Lorna Simpson) и бразильского художника Паулу Назарета (Paulo Nazareth).

Лорна Симпсон — одна из ключевых фигур в американском искусстве последних десятилетий, работающая в разных жанрах. «Третья личность» (Third Person) стала первым масштабным персональным выставочным проектом в Европе и охватывает 20 лет ее творчества. Основной акцент сделан на живописи последнего десятилетия, в которой она исследует расовые стереотипы, стирание истории, нестабильность памяти через технику коллажа и фирменную палитру синих оттенков.

Выставка Паулу Назарета «Алгебра» (Algebra), разместившаяся на верхнем этаже — это уже совсем другая история. Название отсылает к арабскому корню Al-Jabr, который связан не столько с математикой, сколько с медициной и означает вправление костей или соединение сломанных частей. Художник отсылает к самой сути алгебры как искусства поиска неизвестных и исцеления того, что было сломано и разрушено.

Проходя сквозь залы, посетители замечают толстую линию белой соли, которая тянется прямо по полу через всю выставку. Эта сквозная инсталляция постепенно раскрывает перед зрителем призрачные контуры tumbeiro — португальского невольничьего корабля, перевозившего рабов через Атлантику. Соль здесь одновременно выступает символом сохранения памяти, разъедающей боли и очищения. Для Паулу Назарета искусство — это возможность проработать незаживающие «раны истории», чтобы не забывать о нашем трагическом прошлом, в котором стирались целые народы, уничтожались культуры и процветала работорговля.

Проект художницы Мелиссы Макгилл

Проект Marea («Прилив») нью-йоркской художницы Мелиссы Макгилл, возможно, не такой масштабный, как вышеперечисленные, но зато один из самых фотографируемых и запоминающихся. И действительно, мало кто мог пройти мимо красиво развивающихся на ветру простыней, которые она раскрасила краской и подвесила на бельевых веревках, превратив одну из центральных улочек города в интерактивный public-art объект.

За этой красивой картинкой на самом деле стоит глубоко философский смысл: «прилив» — это голоса местных жителей, которые кричат об актуальных для города проблемах — ухудшении экологии, климатической катастрофе, навязчивом туризме. Полотна становятся своего рода визуальной метафорой взаимосвязи города, воды, повседневной жизни — простой, почти древний жест, который здесь приобретает силу коллективного заявления. По итогам проекта художница вместе с жителями района готовит к выпуску книгу и 30-минутных документальный фильм.

Инсталляция временная, но в галерее 10 & Zero Uno по соседству можно посмотреть выставку Мелиссы Макгилл Aquae («Воды») — продолжение проекта Marea. Она открылась одновременно с ним и продлится до 20 июня 2026 года.